Yes: A Odisseia da Perfeição Técnica e Espiritual

A trajetória do grupo britânico Yes é, sem dúvida, a crônica mais ambiciosa de todo o movimento progressivo. Enquanto seus contemporâneos exploravam o teatro ou a psicodelia, o Yes decidiu que o rock deveria ser uma extensão da música erudita, mas com a eletricidade e o vigor da juventude de 1968. Naquele momento, o Rock Progressivo do Yes surgiu como uma força da natureza, unindo o rigor técnico à busca pela iluminação espiritual através das letras de Jon Anderson. Atualmente, a banda é vista como um “laboratório de gênios”, onde cada integrante era um mestre absoluto em seu instrumento. Se você quer entender as bases desse movimento, não deixe de ler o nosso guia sobre as bandas fundamentais do rock progressivo.

Certamente, a história da banda é marcada por uma constante mutação de membros, o que gerou fases distintas e ricas. A transição do som mais psicodélico e jazzístico dos dois primeiros álbuns para o som sinfônico de The Yes Album foi crucial. Com a substituição do guitarrista original Peter Banks por Steve Howe, o grupo ganhou uma paleta de cores que ia do country ao flamenco. Consequentemente, as faixas carregam uma sofisticação que remete à inovação presente no rock nos anos 70. Visto que o grupo buscava a perfeição harmônica, o resultado foi uma discografia que exige atenção total e recompensa o ouvinte com detalhes sonoros ocultos.

O Triunvirato de Ouro: Howe, Wakeman e Squire

A verdadeira explosão criativa ocorreu quando Rick Wakeman substituiu Tony Kaye nos teclados. Wakeman trouxe o conceito de “muralha de som”, utilizando até 15 teclados diferentes no palco, incluindo o Minimoog e o Mellotron. Incrivelmente, os músicos capturaram uma energia de câmara erudita dentro de um contexto de rock pesado. Jon Anderson, exercendo sua influência como arquiteto lírico, utilizava sua voz de contra-tenor para cantar sobre o misticismo e a natureza. De acordo com o site oficial do Yes, a composição de peças como “Roundabout” envolveu meses de experimentação rítmica.

Nesta fase, o baixo de Chris Squire tornou-se o elemento central da identidade da banda. Diferente de qualquer outro baixista da época, Squire utilizava o modelo Rickenbacker 4001 processado por um pedal Wah-wah e distorção, criando um som metálico que preenchia os espaços deixados pelas guitarras. Assim sendo, a química entre o baixo percussivo de Squire e a bateria jazzística de Bill Bruford (e mais tarde Alan White) permitiu que o Rock Progressivo do Yes explorasse polirritmias complexas. Mesmo sob a pressão das gravadoras por singles curtos, a banda manteve sua integridade em suítes monumentais.

Close to the Edge: A Obra-Prima da Estrutura Sinfônica

Em nossa análise profunda, é impossível ignorar o impacto de Close to the Edge (1972). Este álbum representa o ápice da “forma sonata” aplicada ao rock. No estúdio, a banda enfrentou sessões exaustivas para montar a faixa-título através de colagens de fita, uma técnica rudimentar mas visionária para a época. Consequentemente, a música flui como uma jornada heróica, dividida em quatro movimentos que exploram desde o caos da introdução até o clímax espiritual de “I Get Up, I Get Down”. Por outro lado, a balada “And You and I” demonstra como Steve Howe conseguia alternar entre o violão de 12 cordas e a pedal steel guitar com maestria.

Essa abordagem transformou o Yes na maior referência de “Symphonic Prog”. Em faixas como “Heart of the Sunrise”, notamos claramente a transição entre o caos instrumental e a melodia vocal doce de Anderson. Embora o disco Tales from Topographic Oceans tenha sido criticado por sua extensão (um álbum duplo com apenas quatro faixas), ele demonstrou que o Yes não aceitava limites para sua ambição. Conforme aponta a revista Rolling Stone, este trabalho reflete o auge do excesso e da genialidade que definiram a década de 70. Atualmente, o legado dessas gravações continua influenciando desde o rock cristão até o metal moderno de bandas como Dream Theater.

O Universo de Roger Dean e a Experiência Multimídia

Diferente de seus pares, o Yes entendeu que o rock progressivo era uma experiência que deveria envolver todos os sentidos. A parceria com o artista Roger Dean criou uma simbiose única: as capas de discos não eram apenas embalagens, mas portais para os mundos que as músicas descreviam. Certamente, ao observar as ilhas flutuantes e os dragões mecânicos de Dean, o ouvinte era transportado para a mesma dimensão espiritual das letras de Anderson. De acordo com historiadores da arte, essa identidade visual unificada foi fundamental para o sucesso comercial da banda, criando uma marca reconhecível instantaneamente.

• Fragile (1971): O equilíbrio perfeito entre o pop experimental e o virtuosismo individual.
• Close to the Edge (1972): A composição definitiva do gênero, sem nenhuma nota fora do lugar.
• Relayer (1974): Um mergulho no Jazz-Fusion com o tecladista Patrick Moraz, trazendo um som mais agressivo.
• Going for the One (1977): O retorno triunfal com Rick Wakeman, gravado em uma catedral para capturar reverberação natural.

Veredito de Especialista: O Legado dos “Yes Paralelos”

Portanto, celebrar a história do Yes significa mergulhar em uma árvore genealógica complexa, que inclui projetos como o Anderson Bruford Wakeman Howe e as diversas ramificações que surgiram das brigas internas. O Rock Progressivo do Yes sobreviveu a décadas de mudanças na indústria porque sua base era a excelência técnica. A resistência da banda em simplificar sua linguagem harmônica transformou este registro em um guia para qualquer músico que deseja dominar seu instrumento. Para os novos fãs, o disco continua sendo um desafio estimulante e uma fonte de beleza inesgotável. Além disso, a sonoridade capturada na era clássica serve como o padrão de ouro de fidelidade sonora.

Visto que o rigor de produção era a marca do grupo, este trabalho ganha novas camadas em cada remasterização moderna. Atualmente, o público redescobre estas pérolas em mixagens de 5.1 canais que permitem ouvir cada detalhe dos teclados de Wakeman e das harmonias vocais triplas. O talento individual de cada membro que passou pela banda permanece como um exemplo de dedicação à arte. Ao revisitar estas canções, percebemos que a odisseia iniciada em 1968 ainda é a jornada mais fascinante do rock mundial. Prepare sua mente para a transcendência e explore agora os acordes que provaram que o rock pode, sim, ser divino.